Plá(s)ticas (V): Peces en el mar

…del salón en un ángulo claro…por su dueño jamás olvidados…nadan unos peces.

De donde vienen?. A donde van?. Aquí el grande no se come al chico. El grande viene de Sydney (Australia). Lo trajo una persona muy querida que ahora no está. No sé como fue comprado. No tiene firma, por lo que no puedo saber a ciencia cierta el nombre de su autor ni las características de su escuela. Solo puedo saber lo que en su plá(s)tica me cuenta, y de lo que en alguna navegación en la nube entresaco.

Sydney es una de las ciudades con mayor atracción turística y mejor calidad de vida, y por otra parte tiene una muy estrecha relación con la pesca, no en vano su mercado de pescado es el mayor del mundo y cuenta con un muy afamado restaurante en el interior del mismo. En la actualidad está siendo modificado, proyecto concedido a una empresa danesa, para convertirse en uno de los focos icónicos de atracción turística de la ciudad. Además su Acuario es también líder en visitantes y especies marinas, y su relación con la pesca deportiva es una de las señas de identidad de la ciudad.

En este escenario nuestro pez nada corriente arriba con fuerza y porte orgulloso. Su silueta irradia arrojo y convicción. A su derecha otro animal acuático (galápago?, tortuga?) le acompaña con apariencia de tener que realizar un cierto esfuerzo. El grupo se completa con una figura antropomorfa con una de sus extremidades superiores levantada, terminando en pico de lanza. Estará pescando, o simplemente comparte y completa el hábitat?. Quien sabe!.

El conjunto comprende también figuras , lineas sinuosas, otras circulares, todas con simetrías muy ondulantes, que comparten la diagonal de las figuras, en blancos, ocres, marrones, amarillos, que pudieran ser una abstracción del marco donde tiene lugar la acción, o simbolismos de significado étnico. Quien sabe!.

El arte aborigen australiano es muy rico. En él se pueden distinguir dos etapas claras, el primitivo, antes de la llegada de los británicos y de otras nacionalidades occidentales, y el contemporáneo. En todo caso, este último bebe de las raíces de aquel, y ambos tienen en común dos aspectos importantes, a saber, en primer lugar el tiempo del Sueño , que es una especie de “érase una vez” espiritual, una red compleja de conocimiento, fe y prácticas que derivan de historias de creación, y condicionan toda su vida física y metafísica. 

El otro aspecto importante, también con raíces ancestrales, es la pintura de puntos. Respecto de esta, incluye colores simbólicos tradicionales de los aborígenes, que desarrollarán en cualquier superficie (roca, cuevas, cortezas…).

Bark painting ‘The Djanggawul in Djabu mada [language] territory’ by Mutitjpuy Mununjgurr, Yirrkala, 1967

Admirar estos aspectos bien merece una visita, aunque sea virtual, al Museo Nacional de Australia, y la navegación por otros blogs más documentados que el presente. También podemos encontrar arte aborigen australiano en diferentes museos. Así por ejemplo, en Neuchatel (Suiza) hay un museo, La grange, dedicado exclusivamente a este género artístico. Pero también en París, Utrecht y en la Universidad de Virgina podemos encontrar excelentes muestras de ello.

Y nuestro pez?. De que especie será?. No entiendo nada de peces, y mucho menos de peces australianos, pero tras búsqueda insensata y googleliana (perdóneseme la licencia), la silueta más sugerente es la de una Golden Damsel o la de un Barramundi. Juzguen ustedes mismos y decídanse.

En cualquier caso, supongo que tendrá su música. Por su vigor y por sus raíces ancestrales me atrevo a sugerir un compositor: Peter Sculthorpe. Y de su amplio catálogo, la obra Earth Cry, concierto para didyeridu y orquesta, en concreto en la versión de la Sydney Symphony Orchestra. No oyen su lamento desde las entrañas milenarias con todo el colorido orquestal de tan fértil tierra?

Y los peces chicos?. Nadan en un ambiente más sereno, más plácido. La luz y los colores son suaves. Van al encuentro uno de otro. Quizás juegan?, quizás coquetean?. Qué nos dirá su creadora, Esther Cuesta?

Esta avilesina, con muy amplia formación artística que comprende la pintura y el dibujo a la forja, pasando por el diseño gráfico, la cerámica, la escultura, la producción de video e incluso las marionetas, sabe moverse en soportes múltiples, que va desde el papel de seda encolado y teñido hasta el grabado,.

Su curriculum es denso desde que allá por 1989 comenzase a participar en exposiciones colectivas, para consolidarse también en exposiciones individuales en los principales museos y salas de nuestra geografía y de fuera de ella. Por supuesto tal actividad en una artista tan comprometida habría de venir jalonada con varios premios como el Casimiro Baragaña, el Certamen de Luarca , el de la Junta General del Principado de Asturias o el de la Caja de Ahorros de León, por citar solo algunos.

Preocupada por el espacio habitacional como algo multisensorial, reflexiona sobre ello, junto con otros artistas, en alguna de sus exposiciones , así como en varias colecciones. Momento de ensoñación fue definida su presencia en la Semana del Arte de Madrid. 

Por supuesto, todo ello sin dejar de ser conocedora de la realidad social en la que vivimos, es también firmante recientemente del manifiesto Salvar lo público, junto con una numerosa pléyade de artistas de lo más significativo de nuestra sociedad, y colabora con su obra Por todo lo que importa en la que aporta ese …entramado de formas punzantes agrestes y agresivas…que añade una expresividad perturbadora… a las que se refería no ha mucho el extinto crítico Rubén Suárez. Exposiciones como Casas, De papel y otras tintas o En la ciudadprofundizan en esta temática. También le llevó a exponer en el Colegio de Arquitectos de Asturias con el título de La ciudad imaginada.

Pero otras facetas de Esther Cuesta saben alternar con un cromatismo lírico y poético, del que pueden formar parte los pececillos del ángulo claro. Su colección Mil peces y obras como Desde que cambió mi cielo (2018) lo atestiguan.

Desde que cambió mi cielo.- Esther Cuesta (2018)

Lo(a)s auténtico(a)s artistas llevan en las venas el inevitable impulso de la exploración de nuevos caminos, es por ello que Esther Cuesta sin olvidar sus collages y papeles y sin renunciar a su cromatismo cálido y luminoso que construye un abstracto con sugerencias geométricas, sin referencias figurativas, nos regala a través de las redes su serie Soltando amarras. Aparentes enrejados que sin duda atravesaremos con el arma cargada de futuro de su poesía.

Por supuesto, para mis tiernos pececillos cuestianos la música no puede ser otra que los Juegos de agua, de Ravel. Tenemos muchas y buenas versiones, pero me quedo, por su delicadeza y ternura, con esta de de Jean-Yves Thibaudet. Disfrútenla.

Hipotenusa

Escuchaba en Radio Clásica un programa de música contemporánea, y más en concreto su sección Tangencias cuando me dio por pensar en la sonoridad de las palabras, y como estas muchas veces guardan curiosos simbolismos más allá de su sentido literal, en este caso geométrico.

Y es así como me vino a la cabeza otra de esas palabras que me rondan constantemente desde mi ya lejana adolescencia. Esta palabra es hipotenusa.

Efectivamente me gusta su sonoridad, que sugiere el nombre de alguna de esas sumas sacerdotisas griegas (sí, ya sé, es palabra de origen griego), que entrega su vida y su sexualidad a mayor gloria de alguna mítica deidad y al cuidado de su templo.

La hipotenusa en firme y recta, no podía ser de otra manera, y controla y armoniza a los catetos.

Los pobres catetos, que en lenguaje cheli, tienen una connotación ofensiva, no se atreven a salirse de su vulgar verticalidad, de su ángulo canónico de los 90º, pero la hipotenusa es valiente, y se atreve, porque puede, a trazar diagonales y a controlarlos.

Y así, con la arrogancia y el mando de la sacerdotisa, uno de los mayores geómetras que en el mundo han sido supo trazar su ley, una ley que nos ayuda a deducir el orden del universo y la posición de los objetos en él.

Maridaje (IV): Bella Italia.

Tal día como hoy, pero de 1901, moría en la ciudad de Milán una de las figuras cumbres del universo musical, fundamentalmente en lo que a su planeta operístico se refiere: Guiseppe Verdi.

Dicen que los aficionados, como en otras tantas cosas, se polarizan de modo irreconciliable sobre quien ocupa el número uno de podio de la actividad, Verdi o Wagner. Si estas polémicas siempre son estériles, pues solo sirven para añadir más pasión a algo que de por sí ya la tiene, en este caso son además injustas, pues se olvidan nombres cuya relación es amplia, por lo que aquí la obviamos. Lo mismo que hacer más énfasis en dicha cuestión.

Centrándonos en Verdi, nacido en 1813 en Le Roncole, población cercana a Busseto, pronto mostró afición y capacidades para el mundo musical, al punto que con solo 8 años llegó a ser organista oficial con remuneración de la iglesia de su pueblo, y con tanta afición que cuando se desplazó a estudiar a Busseto, todos los domingos volvía al pueblo para ejercer su cargo , tras recorrer los cuatro kilómetros a pie que separan ambas localidades, y después otros tantos de vuelta, .

Con doce años comenzó su formación musical reglada, y con trece ya interpretó, por obligada sustitución de un músico, sus propias composiciones en público. En los años siguientes su trayectoria fue brillante, alcanzando gran éxito de público y especialistas. Sin embargo es también conocida la anécdota de que el Conservatorio de Milán le negó la posibilidad de estudiar en dicha institución que años después llevaría su nombre. Ello no fue óbice para que gracias a Antonio Barezzí, su mecenas y suegro, acabará haciéndose un nombre y un lugar en la vida musical y operística de esa ciudad, capital cultural del norte de Italia.

Conservatorio de Milán e Iglesia de Santa María della Passione.

Cuando su trayectoria como compositor comenzaba a orientarse en plenitud, la muerte de sus dos hijos y su joven mujer lo sumió en una profunda tristeza, a la que se sumó el estrepitoso fracaso de su ópera Un giorno di regno por lo que prometió no volver a componer nunca más. Y un talento genial se hubiese perdido si no llega a ser por la insistencia de Bartolomeo Morelli , impresario de La Scala, que le ofreció un libreto anteriormente rechazado por otro compositor.

De esa insistencia nació Nabuco , una de sus obras cumbre que triunfó en toda Europa y América. En La Scala marcó un récord de representaciones que aún no ha sido superado. Su famoso coro Va pensiero se consideró el himno de la unificación nacional frente al dominio austriaco.

A partir de ahí la trayectoria está jalonada de éxitos, dando muchos títulos que figuran en el olimpo operística y que aquí obviamos por ser bien conocidos por los aficionados y figurar profusamente en cualquier enciclopedia. También con altibajos anímicos creados por las dificultades de alguno de sus estrenos, y por avatares de su vida personal, e incluso una cierta participación en la vida política de su época. En cualquier caso este compositor, uno de los más importantes de todos los tiempos, representa el paradigma del romanticismo y el puente entre el bel canto y el verismo.

La Scala, de Milán

Entre tanto, que ocurría en Italia en el ámbito literario?. Continuando con el romanticismo aparece en 1818 en Milán el periódico Il Concilliatore, que se convierte en su principal altavoz, con una nómina de firmas ilustres, entre las que destaca Alessandro Manzoni. Periódico también de compromiso político, de tendencia liberal, y claro luchador por la independencia italiana, lucha de la que decíamos antes a Verdi, y más concretamente a su Coro de esclavos, habían convertido en santo y seña.

Manzoni instiga en Italia la reforma del romanticismo tratando de descubrir y expresar la verdad histórica y moral como fuente de belleza.En Italia, el devenir de la reforma literaria tomó otra dirección, siendo Manzoni el principal instigador de esta reforma. El formuló los objetivos de la nueva escuela, que aspiraba a descubrir y expresar la verdad histórica y moral como fuente de belleza. Su principal obra, Los novios, constituye una referencia básica en la literatura italiana, comparable  para muchos a la Divina Comedia de Dante, y la que le dio fama inmortal. Con ella logra una obra de arte realista, en la que es destacable la construcción de los personajes y la detallada y profunda descripción sicológica de los mismos. 

Alessandro Manzoni, por Francesco Hayez

Otro personaje singular en este ámbito, sobre todo en la poesía, fue Giacomo Leopardi , considerándosele no solo como el mayor poeta lírico italiano después de Dante, sino también como el más perfecto escritor en prosa que ha dado la literatura italiana. Y por cierto muy admirado por nuestro Unamuno, que hace referencia a él en su Sentimiento trágico de la vida.

Giacomo Leopardi (1820), por A. Ferrazzi

En el ámbito de las artes plásticas también el romanticismo italiano pone de manifiesto esos rasgos distintivos respecto de Europa, que se manifiestan por su claro compromiso cívico-político por la reunificación e independencia de la nación. Destaquemos aquí al veneciano Francesco Hayez y al turinés d’Azeglio. Del primero, su obra La Meditación, de 1851, se considera una alegoría de la Italia fragmentada tras los acontecimientos de 1848 : una joven madre está preparada para alimentar a sus hijos, una imagen de gran modernidad de la patria “bella y perdida”. También se considera una de las obras más notables del romanticismo su El beso.

La Meditación, por Francesco Hayez, 1851, óleo sobre lienzo, 92,3 x 71,5 cm, Verona, Galería de Arte Moderno “Achille Forti”.

Del segundo, personaje de interesante biografía siempre marcada por un fuerte compromiso político patriótico, destacamos su El estudio del pintor en Nápoles, de 1827.

El estudio del pintor en Nápoles, por Massimo D’Azeglio, h. 1827, Turín, GAM (Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea).

Esos fuertes acontecimientos políticos de la segunda mitad del XIX que conducen al Risorgimento dan paso como contraposición al realismo y otras escuelas como los Macchiaioli, que rompiendo las reglas se dedican a pintar al aire libre, poniendo énfasis en la luz natural, las sombras y los colores (macchie, literalmente parches o manchas), lo que les lleva a poder ser considerados unos precursores de los impresionistas, e igual que a estos a ser ridiculizados por la crítica ortodoxa.

Movimiento complejo surgido de una época también muy compleja y convulsa, tuvo una fuerte implicación social. Tras su finalización estuvo durante mucho tiempo en una situación de oscuridad y silencio por parte de la crítica y el público, hasta que en el último cuarto del pasado siglo XX comenzó a ser estudiado nuevamente. A este respecto, en el año 2013 tuvo lugar en la Sala Mapfre de Madrid una muy amplia (reunió másde 100 obras )e interesantísima exposición de este movimiento, co-producida con los museos de Orsay y de L’Orangerie de París,  y la publicación de un documentado catálogo donde se contemplan todos sus aspectos.

Por cierto que próximamente en la ciudad de Padua tendrá lugar otra exposición, que estará abierta hasta el próximo 18 de abril. Se ve que el interés por este movimiento está en auge.

Portada de catálogo: Telemaco Signorini: La sirga, en Le Cascine de Florencia (detalle), (1864). Colección particular

Silvestro Lega: Los últimos momentos de Guiseppe (1873).- Rhode Island, Museum of Art, Providence.

Posteriormente a él, apenas comenzado el siglo XX, aparecerá otro movimiento rupturista de claro sello italiano, el futurismo. Pero esa ya es otra historia.

In memoriam: Compañero del alma

Ha muerto Peralta!. 

Durante más de 30 años fuimos “pareja de hecho laboral”. Tengo que decir que fue un compañero ejemplar, fiel, amable, sin poner jamás ni un “pero” a ninguna tarea, por árida o a destiempo que fuera. Funcionario ejemplar, cumplió las normas y los procedimiento siempre con una sonrisa, escuchando y atendiendo al ciudadano en todo lo que necesitase. 

Amigo entrañable, siempre dispuesto a ayudar en lo que fuera necesario. Cuando alguna vez teníamos diferencias de planteamiento en el enfoque de un expediente o proyecto podríamos discutir con ardor, al punto de sorprender a quien no nos conociese, hasta que llegados a un punto de posible solución uno de los dos decía: venga, vamos a tomar el café, que se nos enfría, y allí volvíamos a la conversación de dos amigos que hablan de los temas cotidianos.

Cuando se hizo cargo de la Escuela Municipal de Salud, con el apoyo de la Concejal Mercedes González, llevó esa institución a las cotas más altas de su historia, dedicándole entusiasmo y trabajo sin límite.

Ha muerto un hombre bueno, en el sentido más pleno de la palabra. Se fue para Allá el día que los creyentes festejamos el nacimiento del Niño Jesús. Estoy seguro que con su presencia el Portal de Belén, aunque pobre y marginal, estará en óptimas condiciones de salubridad.

Feliz Navidad

Con Él nació la Esperanza. Nació en la pobreza y la marginalidad.

Nos enseñó como colaborar a construir de Reino de Paz y Fraternidad.

Los oficialistas y los poderosos, ante el temor de ver mermados sus privilegios, lo asesinaron como a un delincuente peligroso.

Pero sus palabras y sus ideas germinaron en la tierra fértil de las muchas gentes buenas, y nunca pasarán. 

El Reino llegará.

Gratitud (I)

Hace no muchas fechas compartía en este trocito de ciberespacio mis impresiones sobre uno de los libros de narrativa más interesantes que había leído últimamente, Luna Invasora y otros cuentos. 

Ahora el autor, mi buen amigo Publio Lorenzana , excelente escritor, como cualquiera que lea el libro podrá testimoniar, y mejor persona, y su editora, a quien no tengo el placer de conocer, han tenido la gentileza de hacerme formar parte de la campaña promocional navideña del libro con una de esas citadas impresiones.

Gentileza que sin duda agradezco, pero que me ruboriza al extremo, dados mis compañeros de cartel. Un inexperto y principiante novillero al lado de dos grandes espadas ya consagrados. 

Luis Mateo Díez, uno de mis ídolos literarios, es Académico de número de la Española, doctor honoris causa por la Universidad de León y Premio Nacional de la Letras Españolas, entre otra multitud de merecidísimos premios y reconocimientos. Así pues, que puntos de similitud puedo tener con este maestro de las letras?. Lo único, quizá, que ambos somos funcionarios jubilados de la Administración Local, él en el Ayuntamiento de Madrid y yo en el de Oviedo, y que su reino de Celama fue siempre mi referente de ese territorio imaginario que a fuer del confinamiento pandémico me llevó hasta Pola Seca.

A Antonio Pelayo no tengo el honor de conocerlo (todavía!), pero de su curriculum se desprende la grandeza de sus conocimientos y sabiduría (que no siempre es lo mismo), y además siendo amigo de Publio está garantizada su bonhomía.

En definitiva, tres maestros que me honran al poder compartir su espacio y de los que procuraré seguir aprendiendo el arte de poder agradecer a la existencia la posibilidad de vivirla regalando, en el caso de ellos, belleza y motivos de reflexión.

Del libro, por favor, por favor, no se lo pierdan. Se arrepentirían. Excelente regalo de Navidad, con el que además colaborarán con Cáritas.

En el Campoamor (XV): Los trabajos de Hércules.



En esta ocasión podríamos hablar de muchos temas estrictamente musicales. Por ejemplo de la celebración en estos días del 250 aniversario del nacimiento del gran Beethoven, o de la representación por primera vez en nuestro Teatro Campoamor de su única ópera Fidelio, o de su magnífica música orquestal en la que cada nota, como escuché decir alguna vez al maestro Achúcharro, está en el sitio que tiene que estar, o de la no menos grandiosa parte coral.

De todo eso podríamos hablar, así como de la belleza de las voces, de la más que atinada actuación del coro, de la precisa dirección del maestro Marc Piollet, que llevó a la orquesta, nuestra Oviedo Filarmonía , a altas cotas expresivas, bien empastada y con muy adecuados balances. Y también se podía hablar de una escena, dirigida por Joan Anton Rechi , con una acertada intemporalidad, que sin extravagancias ni provocaciones se adecuaba perfectamente a la trama y sus sentimientos.

Respecto del libreto, ya sabemos que en la ópera se producen gran cantidad de licencias poéticas que nos pueden sorprender por aparentemente extemporáneas, e incluso caducas. Pero hemos de esforzarnos en juzgarlas a la luz de las circunstancias de la época referida. En este caso, tenemos la suerte de que el gran Beethoven abarca el final del XVII y principios del XIX, donde se está alumbrando el nuevo mundo de la Ilustración y las Luces, y en el que el genio de Bonn lucha por un mundo que quiere mejor, donde se instauren los valores de la libertad y la igualdad, por lo que la referida intemporalidad escénica está más que justificada.

Otrosí digo que podríamos hablar de todo eso, pero de lo que quiero hablar es del titánico trabajo e insuperable esfuerzo de todo el personal y directiva de la Fundación Ópera de Oviedo, así como de los artistas, dirección musical y de escena, cantantes, músicos, coro, y cuantas personas han colaborado para que estas representaciones hayan sido posibles.

El león de Nemea, la hidra de Lerna y el jabalí de Erimanto, junto con otras bestias, unieron sus pérfidos esfuerzos bajo la forma de virus coronado, dejando nuestra sociedad, incluida su cultura, cual establo de Augías . Y hubieron de ser los esforzados miembros de la Fundación, junto con todos los anteriormente nombrados los que con titánico esfuerzo, entusiasmo, generosidad sin límites y sin perder nunca la sonrisa, han llevado a buen puerto el hercúleo trabajo, digno de los doce clásicos, de conseguir conciliar en un mismo mes dos títulos simultáneos. Qué yo sepa (y si alguien me corrige, estoy dispuesto a aceptarlo), algo que nunca se había dado en ningún teatro de ópera.

Simplemente queda levantarse el sombrero y exclamar: enhorabuena y muchas gracias.